Marcel Hanoun, el patito feo de la “Nouvelle Vague”: de contemporáneo de Godard a símbolo del cine marginal | Cultura

El cineasta francés Marcel Hanoun (1929-2012) decía que sus películas están en primera fila para el espectador porque no nota que la sala se vacía y está solo al final de la proyección. La repetición de los mismos planos, el montaje no secuencial y la combinación de fotografías e imágenes en movimiento, elementos que componen su cine, pueden no gustar a un público amplio. Los eruditos lo llamaron el «abuelo de» “Nouvelle vague”; Llevó el espíritu de la época (cine barato, gratuito, cercano a la calle) hasta un extremo que no le permitió mostrar la mayoría de sus producciones en salas comerciales ni ser reseñadas en los medios. Desde poco antes de su muerte, sin embargo, su figura se ha enaltecido en América y Europa a través de festivales, universidades y exposiciones, como la que le dedica este martes la Cineteca de Madrid en vísperas de su proyección. Octubre en Madrid (1967) en la inauguración de la XXI edición del festival Documenta Madrid, que se celebra del 28 de mayo al 2 de junio.

“Hanoun buscaba la belleza, pero en una parte diferente a la que no estamos acostumbrados, en la pobreza de los materiales, en películas que tienen ritmos diferentes. Es un cine que se piensa a sí mismo, no sólo en términos cinematográficos, sino también en términos de ambición: lo que el cine puede contar”, afirma el director artístico de la Cineteca y miembro del comité de programación de Documenta, Luis Parés. Aunque Hanoun se había convertido en un símbolo del cine marginal, tuvo éxito y alcance con su primera película. una historia sencilla (1959). Recibió el extinto premio de Eurovisión en el Festival de Cannes de 1959, edición que vio nacer la Nueva Ola francesa. Los 400 golpes, por François Truffaut y Hiroshima, mi amor, Por Alain Resnais.

Gracias a la fama que ganó con su debut le ofrecieron un presupuesto millonario la octava hora (1960) con la diva Emmanuelle Riva. Al director francés de origen tunecino no le gustó la experiencia y se refugió en un cine de costes mínimos, sobre el que tenía pleno control, desde el guión hasta el montaje. “Hay demasiados esclavos con grandes presupuestos. Marcel era como un pintor en su solitario taller y de repente 60 personas se unieron a su equipo. “Conozco grandes documentalistas que no saben trabajar con un equipo grande”, dice el director español Javier Rebollo, amigo y alumno de Hanoun, a quien describe como extrovertido, divertido, “con ojos pequeños y llorosos, con esos Veía cada vez menos debido a la diabetes”.

Posteriormente, Hanoun tuvo dificultades para obtener una financiación mínima del Centro Nacional de Cine (CNC) o de sus amigos. Godard le prestó dinero para completar su película sobre Jesucristo. La verdad sobre la pasión imaginaria de un extraño. (1974). En los últimos años de su vida filmó sin salir de casa, con un camarógrafo, un ingeniero de sonido y su vecino, un granjero, que le hacía los decorados. Este último creó las plantillas para su cortometraje sobre el 11 de septiembre, El grito (2001), y algunos objetos para reproducir la Edad Media. Juana (2000), una versión de Juana de Arco. “Convirtió la pobreza en riqueza. Su casa se convirtió en un decorado. Aquí es donde crece enormemente la gente que empieza a hacer cine”, afirma Rebollo.

El francés encontró un público fiel, especialmente entre los estudiantes. En los años 1970 y 1980 viajó a universidades de Estados Unidos y Canadá y fue profesor en la Sorbona de París. “Es la figura que más puede influir en los veinteañeros que hoy empiezan a hacer un cine barato, ambicioso, abierto, un cine muy poético y que se aleja de los convencionalismos”, afirma Parés, el estudiante de la Pompeu Fabra que fue en Barcelona cuando conoció a Hanoun durante unas conversaciones. “Lo escuchamos durante dos horas, pero él fue quien nos escuchó después cuando salimos a tomar unas cervezas. «Eso fue lo máximo para un joven de 25 años que aún no había hecho nada».

Esta visita a Barcelona fue una de las muchas que Hanoun hizo a España, país que amaba. “España me gustaba mucho antes de conocerla”, dice en una de sus películas. Llegó a la Península Ibérica en la segunda mitad de los años 60 como corresponsal de la ORTF. Le fascinaban los poetas místicos, especialmente San Juan de la Cruz. Creía que Castilla explicaba el alma de los españoles y estaba enamorada del castellano y sus diminutivos. “Le parecía que explicaba las cosas con más claridad que el francés”, recuerda Rebollo.

Grabó pequeñas piezas documentales que hoy forman parte de la colección de la Filmoteca Española y reportan sobre Galicia, la arquitectura andaluza, la Semana Santa de Valladolid y la Señora de Elche. Pero su gran carta de amor a España fue Octubre en Madrid. La película combina escenas de Madrid -hace el recorrido de libro por el Retiro, la Gran Vía, la Plaza Mayor, el Rastro o la plaza de toros de Las Ventas- y un reportaje sobre ella El ejecutador de Luis García Berlanga y el proyecto que realizó sobre una mujer que vive en la Plaza de Las Comendadoras. “Él y Orson Welles son los cineastas internacionales que más amaron y entendieron a España. Los dos la conocieron, la amaron y la filmaron. “Catherine Gautier, exdirectora de la Filmoteca, decía que le hacían más ciclos a Hanoun que a Howard Hawks”, afirma Rebollo.

También en España, con Octubre en MadridHanoun encontró las claves que darían forma a su cine posterior: películas que cuentan su propio proceso cinematográfico, por qué se realizó tal plano, los contratiempos que se produjeron durante el rodaje. Un poco entre bastidores lleno de poesía en la que no queda del todo claro qué es verdad y qué es ficción. La película comienza con un primer plano de la actriz Chonette Laurent y Hanoun preguntando a su ingeniero de sonido detrás de la cámara: «¿Puedes oír lo que estás hablando, José?» «No, la señora tiene que hablar más alto», responde. Pasan unos minutos, suena el teléfono y la persona que llama dice: «No, Marcel está filmando». Entonces sonó una voz. fuera de Comentarios: “Esta película trata sobre la libertad. Al final, supera todas las dificultades y contradicciones que un cineasta encuentra en cada escena”.

La idea de hacer películas sobre películas, un metacine, fue llevada al extremo con la tetralogía a su regreso a Francia. Las cuatro estaciones, en el que se centra el ciclo Cineteca. Los efectos de Méliès, la fusión de imágenes en blanco y negro con el color, la música de Bach y Vivaldi y la cámara subjetiva sirven para contar historias en las que Hanoun expresa su visión del arte cinematográfico. “El cine es una visión en sí mismo”, afirma el protagonista de invierno (1969) y su productor responde: “Que quede claro a las distribuidoras y al público”. El mismo actor, Michael Lonsdale (una constante en su filmografía), crea una escena con la actriz Tania en un plano de varios minutos delante de ella. la Cámara Otoño (1972).

“¿Crees que podrás manejarlo?”, le pregunta.

-¿Quién es?

“Tú, la audiencia.

Escribió en la revista el director Jonas Mekas, otro revolucionario del lenguaje cinematográfico y padre del cine experimental. Lumière: “Marcel Hanoun es el director francés más importante e interesante desde Bresson. El nombre Hanoun significa cine. Si no les gusta, están en contra del cine. Es más ligero que el agua. Al menos para mi».

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