Louise Bourgeois en Viena: Las redes de la “Mujer Araña” | Cultura

Louise Bourgeois (París, 1911 – Nueva York 2010) es una de las artistas que dieron forma a la escultura en el siglo XX. Conocida por sus monumentales bronces de araña, que se han instalado en las puertas de templos como la Tate Modern de Londres, el Hermitage de San Petersburgo, el Guggenheim de Bilbao y ahora el Belvedere de Viena, el origen de su imaginación visual está en la Espacio mínimo en el lienzo. Por primera vez, la artista expresó en sus óleos las formas esenciales y los demonios personales que exploraría a lo largo de siete décadas, y el Belvedere los ha reunido para exhibirlos en una retrospectiva por primera vez en Europa. Antagonismo persistente.

Nacida en París la Navidad de 1911, a los 26 años se casó con el célebre crítico de arte Robert Goldwater y se trasladaron a Nueva York, donde comenzó a pintar y a expresar sus miedos a través del arte para exorcizarlos. “A pesar de su proximidad a los surrealistas de París en la década de 1930 y a los expresionistas abstractos de Nueva York en la década de 1940, sus obras siguieron siendo predominantemente figurativas y poco convencionales”, dice la curadora Sabine Fellner. Luego dejó de pintar.

Nadie la conocía mejor que Jerry Gorovoy, su confidente y asistente personal durante tres décadas, quien lidiaba con las proverbiales rabietas de la pequeña artista franco-estadounidense («mis sentimientos no son suficientes para mi tamaño», gritaba Bourgeois). Durante la presentación, recorrió discretamente las salas barrocas del Belvedere. Es presidente de la Fundación Easton de Nueva York, que gestiona el legado del creador. ¿Por qué Bourgeois dejó la pintura? “Renunció al óleo sobre lienzo, pero nunca dejó de dibujar y grabar, no renunció a las dos dimensiones. Eligió la escultura porque era más un trabajo físico”, responde Gorovoy.

«Y dominar la sala», añade Fellner celúla (La subida final), de 2008, una amplia instalación presentada en el Belvedere entre escenas mitológicas y frescos del siglo XVIII en la monumental Sala de Mármol, la única sala del palacio que se extiende en dos plantas. Las celdas, junto con las arañas (en su caso instaladas en los jardines), son los dos grandes emblemas de la obra escultórica de Bourgeois, la primera mujer, en 1982, que incluyó el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). .una retrospectiva.

Los lienzos de Bourgeois, creados entre 1938 y 1949, se exhiben en diálogo con una selección de esculturas, instalaciones, dibujos y grabados de una prolífica carrera artística que abarca el siglo XX. Si las células pueden leerse como un autorretrato, el motivo de la araña (que representó por primera vez en un pequeño dibujo en 1947) es una oda a su madre y un guiño a su propio proceso creativo. Estos insectos construyen su mundo a partir de sus propios cuerpos, así es como crean sus redes. Bourgeois asumió que su arte era una respuesta física a sus emociones y miedos.

La mayoría de las pinturas rara vez se mostraban públicamente. Algunos son clásicos, por ejemplo. la chica fugitiva o la serie Casa femenina, que se convertiría en un icono de la segunda ola del movimiento feminista. La exposición confronta las eternas ambigüedades de Bourgeois. El más ruidoso es el rechazo frontal del sintagma nominal. artista feminista, que consideraba una etiqueta castradora. En una de las paredes del Belvedere, junto al cuadro Canción paraguas (1947), una de sus citas se lee casi como un grito: “No existe una estética feminista. ¡Absolutamente no! Hay un contenido psicológico. Pero como soy mujer, no trabajo como lo hago. Es por las experiencias que he tenido”. Durante una de estas experiencias, protestó contra la toma de posesión del 11 de diciembre de 1970. Exposición Anual: Escultura Americana Contemporánea en el Whitney Museum de Nueva York debido a la escasa presencia de artistas femeninas (aunque ella estaba incluida). Dos años después lo repitió en el MoMA. Las etiquetas eran una cosa y las acciones otra. “En su trabajo, Bourgeois reaccionó a las relaciones de poder entre hombres y mujeres y reflejó el papel social de las mujeres en las estructuras patriarcales que prevalecían en ese momento”, dice la curadora Sabine Fellner.

En otra habitación, un pene gigante hecho de yeso y látex cuelga de un alambre. Bourgeois le dio a la escultura un título provocativo. filete (Niña, en francés). “El falo es el objeto de mi ternura. “Se trata de vulnerabilidad y protección”, dijo la artista en 1968. Todavía lucía esa sonrisa traviesa cuando Robert Mapplethorpe la fotografió con ella en 1982. filete metido debajo del brazo. Bourgeois tenía 71 años y se encontraba en el mejor momento de su carrera. Mira a la cámara, con el rostro lleno de arrugas y una luz brillante en los ojos. Ella, no Mapplethorpe, decidió que debía posar con la escultura carnosa de un falo de dos pies para un retrato encargado por el MoMA para la retrospectiva que la estableció en la escena artística internacional y que el museo de Nueva York censuró. En el catálogo enmarcó el cuadro de modo que filete No mostrada. “El brillo de mis ojos se debe a lo que llevo conmigo. Pero lo hicieron. Lo cancelaron porque el museo era muy mojigato”, le dijo al historiador de arte Mignon Nixon.

Ya en el siglo XXI se rompió otro techo de cristal, que ahora vuelve a estar sellado. En 2001, el Hermitage de San Petersburgo le presentó la primera exposición dedicada a un artista americano vivo. Poco después expuso El niño reservado en la casa museo de Sigmund Freud en Viena. Bourgeois comenzó el psicoanálisis en 1951 y continuó las sesiones durante años. Según Johanna Hofer, también curadora de la exposición, temas como la lujuria, el deseo, la sexualidad y la agresión están implícitos Casa femeninaObtuvieron su poder explosivo cuando el artista se acostó en el sofá.

No existe una estética feminista. No trabajo así porque soy mujer. Es por las experiencias que he tenido”.

Luisa burguesa

Bourgeois afirmó que el dolor era su preocupación. “Dar sentido y forma a la frustración y al sufrimiento”, enfatizó. La opción de catalogar a Bourgeois como paradigma de artista atormentada que expresa sus traumas y conflictos internos en la creación de sus obras puede parecer un cliché. Cuando se le pregunta sobre esto, Gorovoy responde con otro: “La burguesía decía que la gente feliz no tiene historias”. El principal decodificador del simbolismo de la artista agrega: “Ella hizo arte de sus problemas. “Si hubiera sido feliz, probablemente no me habría convertido en artista”. Vivió 98 años.

Antagonismo persistente Podrá verse en el Museo Belvedere de Viena hasta el 28 de enero de 2024.