Israel Galván, la ironía como arma de Stravinsky | Cultura

Se habla demasiado de la personalidad escénica, la danza y el estilo de Israel Galván (Sevilla, 1973), que se cree culta y conocedora. Ni lo uno ni lo otro. No es que Galván haya nacido en la lejana Cathay: ¡viene de Sevilla! Y las crípticas actuaciones, con sus piernas caídas y un aturdimiento casi caricaturesco en su dicción, no son más que un poderoso escudo o entelequia defensiva: un teatro lleno es un ejército enemigo. Él lo sabe y lo sufre. Hoy, en 2024, Galván es un artista maduro que puede permitirse experimentos que quizás ya no sean tanto. ¿Se repetirá Israel Galván? En ciertos aspectos, sí. Esto es inevitable cuando el escenario es un laboratorio en el que el bailarín, bailarín y coreógrafo busca su propio estilo y voz. Tenga en cuenta que la edad media de la audiencia fiel ronda los cincuenta años; También es su edad. Lo que entonces fue rompedor tiene hoy otros valores, pero ya no son elementos rompedores. La supuesta provocación se vuelve referencial.

La música de Stravinsky ha sido tratada varias veces con instrumentaciones muy diferentes, e incluso existe una versión para pianola (que utilizó el coreógrafo Javier de Frutos). Cuando la obra fue llevada a Londres después de actuaciones de alto perfil en París, un crítico sugirió que quizás Stravinsky debería haber compuesto un ballet sólo para percusión. Stravinsky estaba gravemente enfermo de tifus y por eso se perdió la pequeña batalla de Londres y esas amargas flores literarias. De ello resulta un verso interesante: el predominio rítmico sobre cualquier imposición melódica. Esto parece interesarle a Galván hasta que desarrolla un intenso usufructo.

Rápido y ágil, buscando la complicidad con una pantomima a veces inquietante, Galván hace su obertura sobre la colchoneta inflable tratada con sonido, de allí pasa a una exposición en la que juzga los elementos escenográficos, examinándolos y reprendiéndolos. Accidentalmente una pose que recuerda a la iconografía de Nijinsky, que será secundaria y nada anecdótica. Incluso de manera sutil, el bailarín recorre los personajes de la obra original (anciano, elegido, coro) y los integra de un solo aliento, instantáneamente, como una cita literaria.

Tras escuchar la versión para dos pianos (esquema al que Stravinsky volvería en otro ballet muy importante: las bodas [Les Noces, 1923] con 4 pianos, voces y mucha percusión), Galván completa su metraje con un fragmento muy conocido de Scarlatti, indispensable en la danza española; También hay algo simbólico en esto, e Israel, como poseído por una repentina euforia, hace de mago tomando diminutas castañuelas del arpa de uno de los pianos (como se usaban en el siglo XIX). bailes de palos) y da una pincelada: De ahí venimos.

A lo largo de la obra, el artista alterna el pie descalzo con la bota clásica, esforzándose por distinguir los sonidos: queda la búsqueda de medios de expresión, cualesquiera que sean: la desacralización está en la genética de este inventor de las circunstancias de la danza. Si el bailarín está solo en el escenario, su justificada inquietud lo lleva a una tierra de nadie, incluso en apariencia ambigua, siempre en un registro medio-alto, difícil de mantener durante más de una hora de acción teatral. Hay poder y honestidad, y valdría la pena asociar esta proyección casi neoexpresionista a algunas versiones ya establecidas en la historia, como la aplicación de Jane Erdman, un personaje fascinante, destacado miembro fundador de Martha Graham (Una versión diferente). fue creado para la Massine y es parte de ella la consagración en abril de 1930 en la Academia de Música de Filadelfia) o el posterior de Mary Wigman.

Pound dijo que Stravinsky era el único artista vivo del que podía aprender su oficio. Esto no ha disminuido en absoluto hasta el día de hoy, ya que todos los mencionados ya están muertos. Galván utiliza a Stravinsky como linfa guía y energizante; Auden, que pensaba lo mismo que Pound, llegó a decir que esta partitura trataba de corazones latiendo buscandose unos a otros. Galván tensa la misma cuerda y nos la presenta con reverencia y ritualidad.

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