“Eugenio Onegin” vuelve más ruso y psicológico a Les Arts | cultura

«Para Eugenio OneguinEsto es lo que necesito”. Piotr Ilich Tchaikovsky fue tajante sobre las condiciones que exigía para el estreno de su nueva ópera en una carta tan cariñosa como firme al inspector de teatro Karl Albrecht, fechada en diciembre de 1877 en Venecia. El compositor quería que la obra viera la luz en el Conservatorio de Moscú, lejos de los grandes teatros imperiales: “No necesito un gran escenario con su rutina y convencionalismo, sus directores sin talento”. y las máquinas de señalización que dirigen la orquesta”.

Tchaikovsky puso cinco condiciones. Voces de “calidad media”, cantantes de “tipo sencillo”, una producción sin lujos pero “estrictamente adaptada a los tiempos” (los primeros años de la década de 1820), un coro integrado en la acción –y no “un rebaño de ovejas”– y, sobre todo, un director que no era una máquina sino “un verdadero líder de orquesta”.

Esta combinación de intimidad vocal, verdad escénica y vitalidad musical convenció -aunque no sin reservas- el 20 de enero en el Palau de Les Arts. El teatro valenciano tomó al pie de la letra las dos primeras condiciones y confió el papel protagonista al joven barítono Mattia Olivieri, estudiante de su Centre de Perfectionament. La apuesta era arriesgada, a pesar de que el cantante italiano ya había encarnado con éxito el Fígaro de Rossini y Mozart en La Scala de Milán y en el Covent Garden de Londres en 2021 y 2023.

Su juventud y su físico le sirvieron bien, pero ni su voz ni sus modales en el escenario encarnaban plenamente el frío escepticismo ruso del Onegin de Pushkin y Tchaikovsky. Sin embargo, en el tercer acto, cuando el dandy distante se convierte en un hombre desesperado, las cosas mejoraron notablemente: empezó con algo bueno. arioso y terminó con una escena final de notable intensidad junto a Tatiana de Corinne Winters. La soprano estadounidense volvió a demostrar que es una actriz impresionante, pero sin dejar rastro a nivel vocal. A su limitado desarrollo psicológico se sumó una persistente dureza de tono que le impidió encontrar verdaderos matices de expresión en la famosa escena de las cartas del primer acto.

La otra pareja, formada por la hermana menor de Tatiana y el amigo poeta de Onegin, fue mucho más convincente. La mezzosoprano rusa Ksenia Dudnikova fue un auténtico lujo como la convencional Olga, dotándola de una gran potencia vocal y un timbre flexible, denso y oscuro; giró su orden arioso Inicialmente en el primer destello de la noche.

En el caso de Lenski, el tenor Iván Ayón-Rivas fue sustituido en casos extremos En el estreno de Dmitry Korchak, enfermo debido a una enfermedad. El ruso es un consumado especialista del personaje con el que triunfó en Valencia en 2011, pero el peruano optó por un estilo de canto decididamente italiano, como hizo hace tres años en la Ópera Estatal de Viena. Su alegre timbre y exquisito fraseo hicieron la famosa aria antes del duelo, Kuda, kuda, vi a Udalilisen otro de los momentos destacados de la velada.

Junto a ellos, destacó el bajo georgiano Giorgi Manoshvili como el Príncipe Gremin, cantando su bella aria del tercer acto: Lyubvi contra Vorasti Pokornigracias a una admirable combinación de solidez vocal y estricta elegancia expresiva. Otro pequeño lujo fue la presencia del tenor británico Mark Milhofer, que cantó con practicada sofisticación. coplas por el señor Triquet. Las mezzosopranos Alison Kettlewell y Margarita Nekrasova, Madre Larina y Enfermera Filípievna respectivamente, también destacaron del resto del reparto y fueron muy competentes en sus intervenciones y conjuntos en el primer y segundo acto.

La producción austera y eficaz de Laurent Pelly es un éxito de principio a fin. Esta producción, que se estrenó en La Monnaie de Bruselas en 2023 y posteriormente se presentó en la Ópera Real Danesa de Copenhague, se centra en la psicología de la ópera sin cambiar nada del original. Lo consigue intensificando la dirección de los actores a través de un cuidadoso estudio dramático de cada personaje y su desarrollo, pero también a través del vestuario diseñado por el propio Pelly, que subraya el desarrollo de Tatiana y Onegin y transforma el coro en una masa conscientemente unificada.

La escenografía minimalista de Massimo Troncanetti sugiere movimientos precisos y perfectamente vinculados a la acción: desde la plataforma elevada y giratoria del inicio -que articula la entrada y salida de las dos parejas o separa el coro de los solistas- hasta la escena de las letras en la que las paredes se transforman en un espacio triangular que atrapa a Tatiana como si estuviera atrapada entre las páginas de un libro. A ello se suma la iluminación casi onírica de Marco Giusti, que realza inteligentemente las diferentes atmósferas de la trama, y ​​la coreografía de Lionel Hoche, que contrasta la naturalidad del mundo rural con la austeridad del mundo urbano.

En este contraste, el Cor de la Generalitat Valenciana estaba idealmente integrado en la trama, como quedó patente en el pasaje popular del primer acto, el vals provinciano del segundo y la polonesa aristocrática del tercero. Pero lo más llamativo de esta producción fue la dirección musical de Timur Zangiev, firme, segura y muy personal.

El maestro ruso de Vladikavkaz, de 38 años, saltó a la fama internacional en marzo de 2022 después de que Valeri Gergiev, por negarse a condenar la invasión de Ucrania, fuera retirado de la producción de » La reina de espadas en la Scala de Milán. Zangiev, hasta entonces su asistente, asumió la dirección de todas las actuaciones tras el estreno. Al año siguiente debutó con Eugenio Oneguin en la Ópera Estatal de Viena y logró un éxito considerable al frente de la nueva producción de en 2024 los jugadores de Prokofiev, firmada por Peter Sellars en el Festival de Salzburgo.

Zangiev era un líder al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y no una máquina como quería Tchaikovsky, pero también impuso un enfoque de sonido totalmente ruso que hizo que la orquesta tuviera menos confianza que de costumbre. Fluidez y precisión se han combinado con una especial densidad tonal, resultado de una cuerda más oscura, maderas ácidas y metales afilados. El resultado fue un Tchaikovsky menos brillante y emotivo, cuyo interés aumentó a medida que avanzaba la velada.

Se notaba en el inicio más lento y pesado del primer acto, en la moderación de los momentos más líricos y en la particular tendencia a tapar las voces. La frialdad inicial dio paso a un segundo acto mejor construido y más elegante, en el que las escenas corales fluyen con mayor naturalidad entre el escenario y el foso. Pero lo mejor llegó en el tercero, cuando el director se acercó al ideal ruso de combinar pasión y precisión. Fue entonces cuando aparecieron las garras de este joven maestro, que ya se estaba convirtiendo en uno de los más interesantes herederos de la gran tradición cinematográfica rusa.